Danse

Linda Kapetanea et Jozef Frucek : « S’il n’y a pas de musique, il n’y a pas de mouvement »

Linda Kapetanea et Jozef Frucek : « S’il n’y a pas de musique, il n’y a pas de mouvement »

06 mai 2019 | PAR Amelie Blaustein Niddam

Pour la première fois RootlessRoot Company sera à Paris, à la Grande Halle de la Villette les 10 et 11 mai. L’occasion pour nous de poser nos questions sur Europium à Linda Kapetanea et Jozef Frucek

 

(NDLR) RootlessRoot Company a été fondée par Linda Kapetanea et Jozef Frucek en 2006 à Athènes. Il a été formé par leur besoin développer leur langage artistique qui est défini comme primaire et brut. Rootlessroot est leur véhicule artistique hébergeant leur pratique philosophique, les aidant à découvrir leurs capacités et à remplir leur désir de plonger dans les profondeurs de l’être humain. Leurs œuvres – solos, installations, moyennes et grandes représentations, ont été présentées dans 21 pays du monde entier. Ils ont collaboré avec Akram Khan sur son solo DESH, Staadsteater Kassel Dance Company, Dot 504, Helsinki Dance Company Finland, et beaucoup d’autres compagnies et des institutions. Le Centre culturel Onassis d’Athènes a produit et présenté ses Yeux aux couleurs de la pluie (2011), Kireru (2012) et Europium (2015), et a été partisan en tournée de la société. Depuis 2006, ils ont permis le développement de la «pratique du combat avec les singes», axée sur les principes du mouvement humain et du développement humain. Ils ont voyagé à travers le monde pour enseigner cette pratique.

Linda Kapetanea et Jozef Frucek, vous offrez votre première grande représentation à Paris. Comment le vivez-vous?

Oui, c’est la première fois avec Rootlessroot à Paris. Nous sommes très heureux de présenter notre travail à la Villette!

Quelle est votre formation ?

Nous avons des antécédents d’athlétisme et de danse et, au cours des 15 dernières années, nous avons investi dans le développement de la pratique du combat de singes. Il s’agit d’une étude sur l’analyse du mouvement transversal visant à comprendre les principes du mouvement humain, de la communication et du processus de vieillissement. En tant qu’artistes, nous avons voyagé et enseigné principalement en Europe et en Amérique du Nord.

La pièce est-elle ancrée dans l’histoire des migrants?

Europium est née de nos réflexions sur les origines du monde occidental et du monde occidentalisé en conséquence. La nature de notre culture repose sur le problème de la définition de ce que nous considérons comme une société valable et des mécanismes que nous utilisons pour la protéger ou la promouvoir. Qu’y a-t-il avec nous ou contre nous dans ce processus de construction de notre soi-disant identité européenne? Nous nous sommes également intéressés à l’histoire et à la mythologie relatives au nom de l’Europe. Convaincus de la forte corrélation entre un mot et la réalité qu’il décrit, nous avons supposé que des études sémantiques et étymologiques sur le mot « Europe » pourraient nous fournir des informations précieuses sur les mythes et l’identité fondateurs de l’Europe et susciter des interrogations sur l’idée de communauté européenne maintenant et ce que cela pourrait signifier pour notre génération.

Tout ce qui précède représente nos pensées sur l’Europe. Et c’est ce qui est resté vraiment dans la performance et son développement. Le dernier et peut-être le plus important est la référence au Radeau de la Méduse. Nous n’avions pas besoin de ce lien, mais l’histoire derrière le tableau et la vague soudaine de réfugiés qui arrivaient sur des «radeaux» en Europe au cours de notre création nous ont amenés à l’ajouter à la pièce. Et à la fin, je pense que nous avons fait de bons commentaires et créé une bonne blague sur toute la situation; parce que ce qui se passe actuellement en Europe est littéralement une blague cruelle. Le fait douloureux à propos du Radeau de la Méduse est la durée de cet événement, le temps pendant lequel les gens attendaient de l’aide, ce qui laissait la place à des actes horribles. Et il nous semble que la vieille Europe avec ses valeurs et ses idées pourrait également connaître une mort lente et angoissante.

La danse est-elle figurative? Par exemple, verrons-nous un décor ?

Je ne considérerais pas cette performance comme un spectacle de danse en soi. De nombreux aspects détaillés et importants du spectacle sont véhiculés par des sculptures et des discours. Et comme vous le savez grâce aux écrits d’Aristote et de Platon, la tragédie est «anthropini praxi» = «action humaine» et donc représentation physique. Ce sont l’action, l’image et l’émotion qui nous parlent le plus.

Et en tant que praticiens du mouvement, nous sommes habitués à traduire toutes nos expériences dans l’espace-temps au moyen de nos corps physiques. Nous sommes intéressés à exposer une idée brute et à pouvoir présenter une représentation non stylisée.

À un moment donné, vous devez comprendre plus consciemment comment vous voulez parler aux gens et quel genre de monde voulez-vous représenter. Et donc, le langage que nous utilisons est un langage de questions. C’est une syntaxe cassée qui détruit les règles et les formes courantes de la beauté organisée. Notre matériel et notre mouvement montrent l’impossibilité pour l’homme de contenir la vie. Nous n’avons pas besoin de louer la beauté et la maîtrise des détails, nous ne traitons pas du tout avec une esthétique propre. Nous jouons et observons ce qui se passe avec le matériel avec lequel nous avons choisi de travailler. Nous sommes engagés dans un dialogue avec qui que ce soit et quoi que nous fassions. Nous ne faisons pas de monologues liés à notre ego et à la manière dont nous voulons contrôler le produit final pour que tout le monde soit obligé de l’apprécier.

La musique a un rôle à jouer ici, pouvez-vous m’en parler?

La musique est pour nous deux un élément très important du spectacle. S’il n’y a pas de musique, il n’y a pas de mouvement, il n’y a pas d’inspiration ni d’images sur lesquelles repose notre travail. La plupart de nos représentations ont été réalisées avec l’incroyable compositeur grec Vasilis Mantzoukis. Il fait partie de RootlessRoot autant que nous. Il soutient et modifie toute la composition de notre travail et de notre identité artistique.

Y a-t-il une envie de toucher au théâtre?

Je crois qu’il y aura beaucoup d’émotions et de sentiments. Les combinaisons d’artistes qui collaborent avec nous ont le potentiel de créer des expériences très intensives. Toucher des personnes non seulement intellectuellement, mais par leur estomac, par leur corps viscéral, c’est l’élément le plus important de notre travail. Ce qu’ils ressentent, je ne le sais pas, chacun de nous filtre ses expériences à travers une perspective différente. Mais ils ne seront pas froids après avoir quitté le théâtre, ce que je peux promettre. Ce sera une expérience plutôt intensive.

 

Visuel : ©Mike Rafail

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